As regras do jogo

Alejandro Ahmed criou para o Balé da Cidade um jogo complexo. Sixty-Eight em Axys-Atlas recupera uma inspiração que vem da trilha sonora, executada ao vivo pela Orquestra Sinfônica Municipal, a partir da complexa partitura Sixty-Eight de John Cage. Identificada pelo número de músicos que a executam, a partitura propõe 15 notas, que serão tocadas pelos músicos dentro de períodos de tempo: o compositor não determina o momento exato em que a nota deve ser tocada, mas dá um período de tempo dentro do qual o intérprete faz soar a nota, a partir de suas próprias decisões.

Esse experimentalismo combina com Ahmed, que cria, também, uma proposta de diluição do papel do coreógrafo, tal como Cage dilui o papel do compositor. Para essa diluição, ele elabora uma estrutura extremamente complexa de trabalho, que, tal qual a partitura de Cage, terá resultados sutilmente distintos cada vez que dançada.

No Theatro Municipal, a plateia é colocada em contato com esse jogo, detalhado e cheio de minúcia, mas a recepção de seu resultado é mista: os comentários de corredor vão aos extremos — ouvi do “não devia ter saído de casa” ao “genial”. Pudera: o Balé da Cidade não deu à plateia o livro de regras desse jogo.

Sem saber as regras, sem entender as estruturas, não existe entendimento do jogo em cena. Sem conhecer a proposta, não é possível nem saber se a partida que assistimos em cena é uma boa partida desse jogo. Como resultado, arriscamos escapar do experimento (programa, ciência, pensamento), e adentrar no culto, no quase religioso. 

Você precisa ser consumido e tocado pelo efeito de Sixty-Eight pra obra funcionar pra você. E, com a plateia cheia durante toda a temporada, e a recepção que inclui grandes arroubos, parece que tem sim gente sendo tocada por essa obra. É ai que se abre o espaço para os exageros de manifestação da plateia, e sim, tem gente quase falando em línguas e se atirando no chão. Outros mais céticos aparecem com as sobrancelhas só um pouco mais levantadas.

Desconfio notavelmente de alguns dos urros que celebram a obra, que parece que reafirmam um papel do “publico inteligente que entende a arte contemporânea” — aquele que faz questão de rir alto pra mostrar que entendeu a piada. Pra alguns, eu ainda precisaria perguntar “que jogo é esse que você achou lindo?”.

A obra é extremamente detalhista. Seus trinta minutos são preenchidos de ações específicas, que acontecem em intervalos de tempo específico, a partir de determinações instantâneas sobre que bailarinos dançam a cada momento, guiadas por um sistema de luz inteligente e programado para executar uma sequência aleatória que os bailarinos identificam, e que corresponde às plataformas em que eles se colocam, também aleatoriamente. Dado o sinal de luz, os bailarinos nas plataformas correspondentes entram em cena para executar as ações previstas. Depois, voltarão para outras plataformas, também não pre-determinadas, no aguardo de um sinal que os ative.

Conhecendo a estrutura, é fascinante acompanhar o jogo de atenção, e o tamanho da intelectualidade ativa demandada pra se dançar Sixty-Eight. Mas para a plateia, independente de quanto se grite ao final, parece que eles só estão improvisando  e balançando a cabeça à toa.

É um problema. A obra de arte vide-bula tem uma lógica e um interesse históricos. Ela depende do conhecimento de um conjunto de informações para se poder apreciar o conceito e a proposta que são realizados. É complicado. E é questionável, mas todos os movimentos artísticos são. Porém, é um programa específico. Além do esforço mental intenso proposto aos artistas, demanda um esforço mental intenso para a plateia.

O problema aqui, é que deixaram de lado a bula. O programa ajuda pouco, e sua estrutura ainda menos: é preciso escanear um QR code no teatro pra encontrar o programa, onde encontramos também um link pra um podcast em que o coreógrafo explica um pouco mais da proposta. Sim, o Theatro Municipal continua só com programas digitais para o Balé da Cidade, diferente do que fazem para outros corpos estáveis. Para além disso, faltou organizar o processo. Como a cena não constrói explicação para o público, a familiaridade com a estrutura parece que seria fundamental de antemão, não algo pra se descobrir depois de três links e enquanto você tenta chegar no seu lugar no TMSP.

A obra em si não perde com isso. Quem perde é o público, que não tem mais a chance de entender de verdade a proposta. Como resultado, que eles façam o aleatório ou o preciso, daria na mesma. Os meses de construção intelectual ali investidos, escorrem pelo palco num espaço em que a dança parece que tanto faz, e a estrutura visual parece que é só uma provocação para a retina. 

Não são. Esse é um exercício de experimentalismo importante e que vai trazer bons efeitos pro elenco do Balé da Cidade. Mas, pro público do Balé da Cidade, entre o “não devia ter saído de casa”, e a mistificação do culto, ficou faltando a construção do complexo campo de entendimento comum. O que percebemos tem um efeito parecido com as máscaras usadas pelos bailarinos em cena: são incríveis quando podemos examinar minuciosamente, mas se tornam praticamente um borrão no palco do Municipal. Um jogo só é completamente aproveitado pelo público se é possível entender seu funcionamento.