Carta ao Pai | Cia Carne Agonizante

Obra de 2006 de Sandro Borelli, “Carta Ao Pai” se inspira em uma carta de 103 páginas que Kafka escreveu em 1919 para seu pai, discutindo a relação abusiva entre eles e o comportamento hipócrita do pai. Sem nunca ter coragem de lhe entregar o texto, a carta foi publicada como obra literária nos anos 1950, e permanece como um registro da relação dos dois, e das dificuldades emocionais sentidas pelo autor.

É nesse universo que a Cia Carne Agonizante mergulha para uma criação coreográfica que reproduz a angústia, a carência e a mágoa de uma relação familiar psicologicamente brutal e falida. Num palco quase vazio, uma poltrona, onde se instalará a figura de terno e chapéu do pai. Sua presença, sempre muito contida, será o tempo todo determinante para o desenvolvimento das cenas.

Ele usa as mãos sutilmente, como se desse comandos que precisam ser (e que serão) seguidos, mas que não precisam ser gritados. Sua força é repressora, castradora, e faz alternarem-se as posições dos filhos. Em dinâmicas de aproximação e afastamento, manipulam-se mãos, cabeças, todo o corpo: tocando-os, ou de longe, sentado na poltrona, o pai molda seus filhos.

Num retrato de infância, a trilha sonora lembra uma caixa de músicas, misturada a uma respiração pesada e ruídos distantes de crianças. Instaura-se o tempo da memória. A movimentação se organiza pelo apoiar-se, pelo sustentar-se um no outro. Da poltrona, o pai comanda o grupo de cinco bailarinos, que se movimenta uniformemente — ora em conjunto completo, ora em grupos menores — no que parece ser uma brincadeira, mas sem alegria: extremamente regrada, a preocupação desse jogo não é a diversão, mas agradar o pai. Mantém-se o tom de infância entre os filhos, mas sem que haja leveza e despreocupação, numa construção calcada na crueza, característica tanto do autor, como do coreógrafo, que conversam bem. Ali, se instaura uma melancolia do comando: uma coreografia de apontar, de demandar, de governar sem esforço aparente, apenas pela presença insistente dessa figura dominante.

O estado corporal da obra é constante: o pai é pesado, sóbrio, faz o mínimo de movimento possível; os filhos são contínuos, numa sequência sempre ralentada sobre a qual não há progressão, sobre a qual não se agrega estímulo ou velocidade. Mesmo o estímulo corporal é castrado, também na narrativa que se desenrola. Um dos filhos parece se masturbar, o pai desaprova, e coloca, como que num castigo, os outros filhos sobre ele. Mas nenhuma expressão se altera — o castigo e o controle são esperados, naturalizados, aceitos calados.

Voltarão ao tom de brincadeira? A esse ponto da obra, já parece preciso questionar se era mesmo esse o tom do início do espetáculo. O caráter sombrio e sóbrio progressivamente coloca em cheque as primeiras impressões — e essa é a forma inteligente como a obra lida com o aspecto da memória, da recordação, presentes na estrutura de carta do texto de origem: articulamos o passado não necessariamente a partir de seus fatos, mas a partir de suas lembranças, de suas construções mentais e psicológicas. Pela memória, os ocorridos ganham novas cores, novas sombras, e o indivíduo participa ativamente de uma (re-)construção de seu passado.

Finalmente, um dos filhos parece desafiar o pai, numa torrente — um pouco mais viva — de movimentos, que termina com o pai colocando os óculos, ao mesmo tempo em que os filhos cobrem os olhos. Ver e se esconder são partes fundamentais dessa relação obscura, magoada, relembrada com melancolia numa carta que nunca foi entregue, nunca foi lida por seu destinatário. A própria metáfora da carta ignorada parece surgir em cena, com o pai desfolhando um maço de páginas pretas, que caem pelo chão. De terno, um dos filhos volta e acaba a leitura do texto. O filho se despe, o pai tira o terno, e eles caminham, um agachado e o outro em pé.

Tudo foi feito e nada mudou. Um universo fechado, reprimido, contido. Com um arroubo de rebelião, mas que é mudo, porque não é ouvido, porque não se faz ouvir. Explorando um universo sem saída, Borelli faz da mágoa um estado corporal e, mais que isso, uma proposta de movimento, que acerta e atinge seu público por não precisar ser explicada, sendo sentida intimamente através do retrato pintado em cena. E só assim, na publicação ou na encenação, a carta se entrega, e essa história é contada.